viernes, 30 de mayo de 2008

juan y lucas


La visita de juan y lucas desde córdoba no fue una visita de “invitados”, fue una visita de

participantes. Por primera vez, además de hablar de su trabajo como artistas se invo

lucraron con los integrantes del taller desde su experiencia con el taller de lectura de obra que venían realizando en casa13, con un funcionamiento similar al del taller El levante.

Yo creo que me quedo corta si tengo que usar mis palabras para hablar de ellos.

Cada obra y cada pregunta fueron una excusa para que se explayaran y opinaran y nos hagan preguntarnos a nosotros. Desde una posición humildísima nos hicieron recorrer problemáticas que parecen dormir en las obras, pero no para siempre.

Lo que sigue, mínimas citas, porque allí está todo.

Lucas:

“emocionarse con la vida de los otros”

“artista nómade” (de técnicas)

“la técnica es parte del concepto, del proyecto de un trabajo”

“producción como aprendizaje”

“me interesan los diálogos entre la pintura y la fotografía”



“artista turista”

importancia de las influencias: contagios, contaminaciones à emocionarse con la vida de los

otros, sin más.

Artista comprometido? el compromiso va variando con el tiempo: en cada momento de la vida nos vamos comprometiendo con diferentes cosas.

Lucas no puede evitar la palabra afectividad. Mientras habla, circula un libro de imágenes y textos, donde los textos se involucran con las imágenes en una relación amorosa, dando cuenta de los otros que existen en los propios trabajos. Tanto en su obra individual –los homenajes- como en las “colectivas” (ptv, por ejemplo), vemos al otro aparecerse ahí, siendo parte de la obra. Siempre hay un diálogo entre el artista y los demás participantes.

Juan:

La instancia de muestra (y posterior circulación) implican un punto final para un proyecto?

Qué es la conceptualidad? Hay arte no conceptual? à la pintura es conceptual (a esta altura del mundo, sí)

“hacer con las manos es parte de la formación del concepto”

“no hay que cuestionar todo porque sino se llega al punto de parálisis”

“hay momentos de apetito y de conciencia”

El camino de juan es diferente. Licenciado en escultura, fue dejando de lado la tridimensión para volver a una especie de bidimensión que después se fue manifestando en otros proyectos más performáticos, involucrando directamente a los “espectadores”, o a los “espontáneos espectadores”.

Después de almorzar, presentaron gabi muzzio y natalia (ver los textos adjuntados en el posteo anterior). Acá, otras citas de juan y de lucas:

“cómo hacer para que si tomamos recursos ya usados, no sean asociados al otro y que

anule “lo nuestro” de ese trabajo?”

pensar en primera instancia la forma de mostrar à es parte del trabajo

à y es, en teoría, la parte que nunca llega porque “la vida no nos da la posib

ilidad”.

“la búsqueda de natalia es una búsqueda pictórica con otro material”

“acto de hacer produce pensar”

la visibilidad de la obra aparece cuando la obra madura (pienso)

la joyita de la tarde: “no venderse al contexto” (graciela)


terminado el taller, fuimos todos al parque de españa a la presentación de joven y efímero. Después a comer. Si, comimos la pizza más fea del mundo. Perdón juan, perdón lucas.

domingo, 25 de mayo de 2008

dice gabi muzzio

Sobre el proyecto

Acerca del soporte de la imagen fotográfica y su intervención en el espacio

El cuerpo es el punto de partida.

Portador de imágenes.

Una geografía en la cual se inscriben emociones en la que la postura, los gestos y la relación que se establece con el entorno, nos cuentan sólo una parte de ellas.

Las imágenes que permanecen en la memoria afectan nuestros sentidos y el modo de estar en el mundo. Éstas se manifiestan íntimamente en el cuerpo.

Pero éste, a su vez, está cubierto por la vestimenta haciéndolas poco visibles.

Me interesa que la ropa sea el nexo entre el cuerpo y las imágenes que le pertenecen y el espacio en el que se manifiesta, planteando así una relación de interioridad y exterioridad de espacio privado y público.

En una primera etapa, durante el año pasado, seleccioné una pequeña serie de dichas “imágenes” que remiten a sensaciones que nos resultan comunes a todos:

Una piedra en el estomago,

Un nudo en la garganta,

Una espina en el corazón,

Un puñal en la espalda,

El origen de estas imágenes puede ser de lo más variado.

Siempre sentí curiosidad sobre estas populares imágenes que nos afectan.

Quizás todos sabemos quién o qué las produce.

Mi camino en este proyecto es descubrirlo, entenderlo.

Estas pruebas son, en principio, una aproximación.

La palabra escrita es una imagen que también me interesaría combinar en este proyecto.

Pienso en cómo sería interpretar emociones y producir a partir de ellas.

Una relación multiplicadora.

Imaginar una nueva función social de la vestimenta

Mi herramienta, la fotografía

Mis influencias, Luis González Palma , Julio Pantoja, Fabiana Barreda, entre otros (algunos de sus trabajos, no todos)

Mi interés en la investigación sobre el tema me ha llevado a la lectura de Anotropología de la Imagen, de Hans Belting, específicamente un capítulo sobre imagen y muerte y Antropología del Cuerpo de David Le Breton, el cual, de hecho, aún no termiando de leer. Espero poder avanzar sobre esto.

dice natalia aronica


DEL POR QUE DE LA COLECCIÓN.

CAPRICHO POR ACUMULAR

COLECCIONAR COMO UN MODO DE IR POR LA VIDA, DE OPERAR SOBRE LO QUE SE ME OFRECE

BUSQUEDA INDEFINIDA E INFINITA

APROPIACION DE IMÁGENES

RECOLECTAR DE MANERA IMPULSIVA, VISCERAL

FRACCIONES DE LA CONTINUIDAD

QUE A VECES SE REPITEN

JUNTAR, AGRUPAR, CATALOGAR

ABARROTARME DE COSAS

SELECCIONAR (PORQUE SIEMPRE HAY UNA SELECCIÓN)

EDICION PERMANENTE

COMO HACIENDO TURISMO

RECORTO LO COTIDIANO Y LO ARCHIVO EN CAJAS

IMÁGENES, QUE SON RECORRIDOS, QUE SE TRANSFORMAN EN RECUERDOS

CADA COSA REMITE A UN MOMENTO

SE CONSTRUYE A TRAVES DE LA CONEXIÓN DE ESOS MOMENTOS

CAJA-HABITACION EN LA QUE SE PUEDE ENTRAR, INTRODUCIRSE

UNA INVITACION

NECESIDAD DE COMPARTIR

INSTALACION COMO FORMA DE AGLUTINAR UN RELATO

PLASMADO EN IMÁGENES QUE ACTUAN COMO UNIDADES DE SENTIDO PERO TAMBIEN COMO COMPOSICION DE FORMAS Y COLORES

ATRAVESADA POR LO AFECTIVO

VALIJA COMO LÍMITE Y COLECCIÓN PORTATIL

INFORMACION QUE SIEMPRE ES OTRA, QUE FLUYE Y SE RENUEVA

INTENTO DE ORGANIZACIÓN MENTAL Y ESPACIAL

EXISTE UN ORDEN. EL CAOS.

MUCHO DE ALGO

AGREGADO APRETADAMENTE PARA QUE EN EL MONTON ADQUIERA SU FORMA

HACER ES UNA MANERA DE PENSAR.

HACER PARA VER

UN MUNDO DENTRO DE OTRO MUNDO

COLECCIÓN COMO DELIMITACION, DESCRIPCION

¿POR QUE NECESITO COLECCIONAR?

ME INTERESA LA PREGUNTA.

jueves, 22 de mayo de 2008

viernes, 16 de mayo de 2008

2




















No voy a empezar excusándome. O quizás sí.
No voy a ser condescendiente, entonces. Y voy a empezar por el final.
Terminado el día, y ante la propuesta de Graciela de “hacer sugerencias”, Gabi Muzzio propuso que en cada presentación “tratemos de plantear, o de contar, de donde surge la obra o al menos nuestra inquietud o nuestra idea al por qué de eso”.
Creo que la propuesta es contundente, y fundante. Por qué necesitamos conocer más al otro para “acercarnos a la obra”? por curiosidad? Por temor?
Me parece que la propuesta de gabi resume mucho de lo que se “esquivó” el año pasado, que es justamente el “ver la obra por sí misma”.
Pablo fue el primero en mostrarnos su trabajo. El primero del año.
Nos contaba sobre su trabajo como profesor de plástica en escuelas muy precarias, como todo su saber “académico del are” chocaba con la inmediatez de esos chicos, y justamente, qué hacer con un saber que resulta completamente inútil a la hora de querer interactuar. Nos mostró una serie de tres fotografías en blanco y negro de aulas de estas escuelas, vacías, las que intervino bordándoles personajes tomados de maestros del arte.










Quizás Pablo aquí si podía congeniar su idea de esos dos mundos tan contrapuestos –y que está bien que lo sean-, pero la forma misma –la prolijidad, la perfección de las figuras, la composición- creo yo que volvían a llevarlo a ese mismo lugar del que había partido: esos personajes agregados “siguen estando agregados”, siguen estando por fuera. El gesto más certero de toda la búsqueda de Pablo es, paradójicamente, el bordado: en esa incisión, en ese ataque a la foto, hay una voluntad de romper quizás con toda esa formalidad académica. Y aquí el gesto sí se transforma en verdadero.
Mauro intervino, a mi forma de ver, de manera muy precisa y clara: todo el relato de Pablo es perfecto, pero no lo vemos en las imágenes. No estamos hablando aquí de literalidad, sino de la forma que tiene esa idea de aparecer sin el “apunte del artista”.
“es más fuerte el discurso sobre la propia obra que la obra”, apunté yo. Uno puede perderse en la forma en que Pablo narra, lo hace magníficamente.
Será que las nuevas formas de aproximación tienen que ser así? Siento que cada vez más las imágenes necesitan el apoyo del texto.




Marcolina intervino distintas ventanas durante su estadía en la ciudad. su trabajo consiste en proyectar animaciones compuestas por luces y colores desde adentro de los edificios hacia fuera, utilizando las ventanas y las puertas como soporte. Como una caja mágica, la obra se ve desde afuera, ocultando su mecanismo.










Dejo de lado las cuestiones más “técnicas” y me detengo en algo que creo fundamental: ofrece un “espectáculo lúdico” y a su vez hace aparecer un elemento extraño a la vista de todos. Y a la vez que ella interfiere con ese elemento extraño, los espectadores casuales también intervienen en la obra. Cuando piensa el trabajo piensa desde un primer momento en la posición del espectador porque siempre está la posibilidad de que éste modifique la obra con su sombra. Cada ventana o puerta es entonces una historia y una posibilidad de espectador. Y esto conlleva, implícitamente, a la búsqueda de otro tipo de espectador. Esta es otra de las claves que venimos debatiendo en el taller, Mónica sobre todo. Y me parece que Marcolina, en esta búsqueda, está proponiendo un montón de posibilidades.

Marcolina siguió pensando en el espectador y preparó un guiso de lentejas increíble.






A la hora del almuerzo Ana presentó el libro final del proyecto “compilados situacionales”.
El libro es una reseña por escrito de algunos de los testigos del proyecto, iniciado el año pasado, y es el cierre del proceso colectivo de compilación “dirigido” por ella. Para esta última instancia, ella hizo pública la contraseña del wordpress-taller de compilación, entregando el proyecto compilados a quien quiera continuarlo.




Lo fundamental del planteo de ana es que ella propone la creación de plataformas para la circulación y la producción de distintas obras. Desde el fanzine “almacen de baratijas”, primero, y con compilados después, Ana demuestra que es posible el trabajo colectivo y la libre participación. En un “mundo” – el del arte- donde la presencia yoica tiene muchísimo peso, Ana está fundando una nueva forma “del proyectar”: son todos los que hacen el devenir de la obra. Los proyectos entonces son la excusa para la circulación, no solamente de la obra en sí, sino también de la búsqueda de afectividad, que es, en definitiva, parte fundante de la obra.

sobre la pintura II

-ahí te mande el chat
-leído
- no da para ponerlo eh
-es interesante sobre la narratividad, a vos te encanta el cine.. y …no, no da. y decía que es raro y super comprensible que tomes como categoría "lo narrativo"
-claro pero por más que no este ahí materialmente esto que le digo “la narratividad", me parece que un planteo por fuera también es "narratividad" por eso digo que con vos no me pasa lo mismo que acá porque yo veo el planteo "por la pintura". se entiende? y no se como ponerlo para que no suene agresivo
-igual, yo no ví lo de claudia. es parecido a lo que presentó ayer?
-son pinturas, parecido. pero más chicas, más como "el detalle" de los elementos arquitectónicos
- son pinturas porque es sobre tela y usa acrílico?
-usa oóleo
-pero no es un resultado pictórico
- si, es pintura eva. por que decís que no es un resultado pictórico?
-o es un dibujo coloreado con óleo?
-no sé, es pintura. además las "chorrea"
-técnica de gouche...
-mmmm.. no sé si es pintura
-ella dice "lo mío son pinturas", así empezó hablando. porqué decís que no lo es? me interesa, me explicas?
- y las pinturas qué dicen? somos pinturas o estamos pintadas?
-para mi dicen estamos pintadas
-entonces no es pintura por lo que ví de ella, creo que está más entroncada, y no por ser categórica, dentro del dibujo... piensa sus construcciones como dibujos. la arquitectura es previamente dibujo, y de última, si hacemos un test cosmopolitan: "sus pinturas, en qué otras pinturas estarían emparentadas con la mismísima historia de la pintura?" pregunto y se me ocurre
-no sé, porque puede tener una intención medio a los espacios de bacon, viste los marcos que les daba a sus personajes?
-si
- pero pienso que más que nada hago esa relación por los colores: los amarillos, los anaranjados
-si
- me parece que ella no tiene un planteo pictórico, no piensa su trabajo desde la pintura
-no se estoy como en un brete con ese texto. te paso el otro, el terminado, el que "creo q va"
-bueno
-me gustaría leerte desde un lugar no tan referencial al espacio El Levante. Es decir, que vos puedas fundar tus textos desde algo que te pinche de esos encuentros, me explico?
-si claro. es que en realidad trate de empezarlo así. y después pensé "no se va a entender"
-pero maga, vos vas al Levante más allá para que te entiendan es decir, si vos le escondés a un montón de artistas la historia del arte y le decís "a ver muchachos, que pueden decir contar hacer PENSAR si les sacamos todos estos referentes" me refiero a artistas que producen su propio cuerpo de obra desde la autorreferencialidad de la historia del arte
-no entiendo
-a lo que voy es que vos podés construir tu cuerpo de texto estando en el levante sin tener que "narrar" sobre el trabajo de los otros
- si claro, pero por ejemplo, de las tres cosas que apunto son tres cosas que me pasan en general cuando pienso:
1- necesito que el artista este ahí para explicarme la obra?
2- el espectador
3- volver siempre sobre la idea de "colectivo" en el universo "yoico"
o sea, a diferencia del año pasado, lo que traté de hacer esta vez fue tomar elementos del levante que no son del levante, se entiende?
-se entiende
-creo que eso lo hice con la voluntad de empezar un "cambio". por eso quería, justamente, plantear esto que me pasaba con "la pintura" como algo que me estaba excediendo del levante
- yo sigo pensando que me gustaría leerte en "formato" ensayo
-ya se ya se
-onda como haces en tu blog
-yo creo que lo que voy a terminar "adoptando" es la reseña y un posterior "ensayo" si se quiere pero como para "arrancar"
-bueno
-digamos, es mi blog, quiero subir chats que tengo con mis amigos sobre estas inquietudes. subiría este también. me entendés?
-si
-como abrirlo todo el tiempo de ese lugar
-y dale… alimentalo todo el tiempo
-si
-la idea es que no sean siempre las "presentaciones"
-genial
-te parece?
-pruebo?
-también quiero que se genere un poco de discusión
-hacelo

sobre la pintura

-me parece que la pintura a veces atrasa. me pasó el otro día. Una de las chicas residentes en el levante es pintora
-te acordás de lo que me escribí en la remera el día del macro emerge?:
-no, qué decía?
-el arte moderno atrasa. me hiciste acordar antes
-es que es así. me pasó el otro día, con claudia, que hace un tipo de pinturas de arquitecturas, de espacios, vacíos y muy clásicos y yo me quedé pensando "no me pasa nada con esto", no sé como explicar, pero me parece que si la pintura no está cuestionando sus propios límites todo el tiempo, entonces atrasa. es una idea, o sea, con eva por ejemplo no me pasa eso.
-a mi me pasa que quiero atrasar a propósito.
-pensaba que si la pintura no "narra" o no me pone a mi en ese lugar de "narratividad" (que seria en este caso "la vivencia de esa pintura") entonces no pasa nada, no existe. no puedo escribir esto: me linchan
-sobretodo porque no lo decís desde tu lugar de pintora.
-claaaaaaaaaaaaaro
-igualmente es válido el discurso.
-a ver, y para dar un buen ejemplo. las mismas pinturas de claudia en un tamaño gigantesco, pero gigantesco, donde yo realmente pueda sentir que me está "narrando" porque me esta cuestionando a mí como espectadora, mi tamaño, los límites de esa pintura también, que casi deja de serlo para convertirse en arquitectura. entonces ahí sí está narrando, y yo estoy de alguna forma narrando también. no sé, es complejo. me parece que funcionaria si dejara de ser pintura para ser "realmente arquitectura"
-a veces creo que ciertos planteos pueden ser eternos
- si claro. pero el otro día dije "me aburro", la pintura me aburre
-a mi me aburre el arte
- puedo editar este chat y ponerlo?
si, pero "no dije nada" jaja
-me dijiste lo "más importante": no hablás desde el lugar de pintora.

lunes, 5 de mayo de 2008

1 1/2 por mónica





acceder al otro y mesa de disección
se me aparecen imágenes, claro
(también el humor negro, claro)

me leí todo el año pasado de vulnerables
me encantó
es como que te den la mano y te acompañen en el recorrido
es como que te lleven “mullidamente” sábado tras sábado, encuentro tras encuentro

Maga ¿será tu propio recorrido tan mullido? ¿tan confortable?
¿podremos darte la mano este año?
espero este año poder acceder... y leerte por entregas!
espero no quedar atrapada en la vorágine

¿Será?


MF
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del 18 de abril